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Exposiciones

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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Paul Pfeiffer

Charla inaugural

Plano audioguía

Paul Pfeiffer 

Audioguía

Los productos puros se vuelven locos

La cuenta larga (Estruendo en la jungla)

Maldad en directo (Kuala Lumpur)

La mañana después del Diluvio

Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis

Los Santos

Torso de Justin Bieber

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados mecanismos empleados para la construcción de imágenes en la cultura contemporánea. Abarcando una diversidad de medios, como el vídeo, la fotografía, la escultura y la instalación, su obra le permite explorar las diferentes y complejas formas en que las imágenes definen nuestra percepción y experiencia.
Resulta clave en el trabajo de Pfeiffer su manipulación de imágenes en movimiento de eventos deportivos, conciertos de música y películas, que el artista edita con destreza mediante tecnología digital. Sus creaciones a menudo reflexionan sobre la dicotomía entre veneración y cosificación, particularmente en referencia a iconos globales, como deportistas o estrellas del pop. Pfeiffer pone de relieve los distintos roles que desempeñan estas figuras en la cultura de masas, dirigiendo la atención hacia la artificiosidad de las representaciones que proyectan los medios e incitando al público a examinar de manera crítica su propia posición en el consumo de estas imágenes.
Las instalaciones de Pfeiffer a menudo incorporan elementos relacionados con la escala, yuxtaponiendo formatos minúsculos con otros de gran envergadura para alterar nuestra relación con la obra. Este enfoque intensifica la percepción de la presencia física de quien observa en relación con el espectáculo. Además, Pfeiffer emplea la forma arquitectónica del estadio y otros recintos similares como un prisma crítico a través del cual examina la experiencia colectiva que entraña ser espectadores. A su juicio, estos espacios no son meros lugares de entretenimiento, sino escenarios donde se definen y cuestionan identidades sociales y políticas.
La exposición Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad constituye la presentación más amplia del trabajo de este artista en Europa, con una treintena de obras que abarcan el conjunto de su prominente carrera y reafirman su posición como uno de los creadores más influyentes del momento. Comenzando en esta sala y continuando en la galería 103 (en esta misma planta), la muestra traza la evolución de Pfeiffer a través de piezas icónicas que se basan en la intensidad de las narrativas de los deportes y la religión, y se exhiben junto a otras obras recientes que abordan el legado del colonialismo y los aspectos identitarios que conlleva. En definitiva, esta muestra no solo celebra la decisiva aportación de Pfeiffer al arte contemporáneo, sino que también proporciona un marco crítico para analizar las complejas cuestiones de la identidad, la pertenencia y la influencia generalizada de la cultura de los famosos, subrayando la relevancia de su trabajo en una sociedad saturada por los medios.
Exposición organizada por The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Salas: 105 y 103
 
Paul Pfeiffer 
Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Impresión mate en color 
146,3 x 182,9 cm 
Cortesía del artista y carlier | gebauer 
© Paul Pfeiffer. Cortesía del artista; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; y Thomas Dane Gallery, Londres
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Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Arquitectura de masas

La práctica de Pfeiffer

Vídeo de la Exposición

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad | Guggenheim Bilbao Museoa

Hilma af Klint

Iberdrola

Sala 205

Los comienzos

Dibujos espirituales, Las Cinco (1898–1908)

Caos primigenio (1906–07)

Eros (1907)

Sala 206

Grandes pinturas de figuras (1907)

Sala 207

La estrella de siete puntas (1908)

Evolución (1908)

Sala 209

Los diez mayores (1907)

Sala 203

La paloma (1915)

Retablos y Cuadro final (1915)

Sala 202

Serie Perceval y Serie del átomo (1916–17)

Series geométricas y Acuarelas (1920–22)

Sala 204

El árbol del conocimiento (1913)

Sala 208

El cisne (1915)

En 1906, Hilma af Klint (Estocolmo, 1862–1944) se embarcó en su proyecto más importante e innovador, las Pinturas para el templo. A lo largo de casi una década, realizó 193 obras pictóricas y dibujos que se alejaban de las representaciones conocidas hasta el momento. Audaces, llenas de color y a menudo liberadas de las ataduras que implican las referencias al mundo visible, estas piezas exploran fuerzas y estructuras que según Af Klint estaban ocultas a la vista. Al ejecutarlas, la artista abandonó las convenciones de la tradición académica sueca y dirigió su atención a las corrientes científicas y espirituales de su época. Incorporando ideas e iconografía de estos dos ámbitos y creando al mismo tiempo un vocabulario artístico personal y único, Af Klint se consolidó como una pionera en la representación de lo invisible.
Af Klint se abría camino como artista mientras asistía a los profundos cambios sociales de su tiempo, incluidos los movimientos por los derechos de las mujeres. Pese a las limitaciones a las que las mujeres se hallaban sometidas a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, Af Klint pudo formarse en la Real Academia de Bellas Artes y exponer sus obras figurativas más tradicionales, pero tuvo que luchar para desarrollar su arte con total libertad. En un contexto en el que se consideraba que las artistas solo eran capaces de copiar, y no de innovar, fueron escasas las ocasiones en las que exhibió su arte más abstracto y radical, y le costó mucho encontrar un público que supiera apreciarlo. Inasequible al desaliento, editó, conservó y catalogó al detalle su obra, con el fin de que pudiera llegar a una audiencia futura. Incluso estipuló que su trabajo no debía exponerse hasta pasadas dos décadas de su fallecimiento, considerando que entonces el mundo ya estaría preparado para comprenderlo. Finalmente, su pintura se mostró en 1986, cuarenta y dos años después de su muerte; pero han tenido que transcurrir varias décadas más para que su magnífico legado ocupe el lugar que merece.
Esta exposición presenta una panorámica de la trayectoria de la artista sueca, incluyendo, además de 110 de sus fundamentales Pinturas para el templo, varias creaciones tempranas más convencionales, dibujos automáticos que realizó con el grupo espiritista de Las Cinco, sus series dominadas por la geometría posteriores a las Pinturas para el templo, y acuarelas y cuadernos de apuntes de su último periodo.
Salas: segunda planta 
Comisarias: Tracey R. Bashkoff, Directora Senior de Colecciones y Curator Senior, Solomon R. Guggenheim Museum, y Lucía Agirre, Curator, Museo Guggenheim Bilbao
 
Hilma af Klint 
Grupo VI, Evolución, n.º 16, Serie WUS/Estrella de siete puntas 
(Grupp VI, Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Óleo sobre lienzo 
102 x 133 cm 
Cortesía The Hilma af Klint Foundation, Estocolmo, HaK 84 
©The Hilma af Klint Foundation, Bilbao 2024

Creencias espirituales y teosofía. Puertas a mundos espirituales

Avances científicos. Tras las fuerzas de la materia

La voz de las mujeres. De la penumbra a la esfera pública

Obras figurativas y abstractas. Observación e invención

Cronología

En el museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Hilma af Klint. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

En 1906, Hilma af Klint (Estocolmo, 1862–1944) se embarcó en su proyecto más importante e innovador, las Pinturas para el templo. A lo largo de casi una

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3ª planta

Tercera planta

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
En el otoño de 2025 una selección de las obras de la Colección Rodenstock en préstamo a largo plazo se presentará en las salas 305, 306 y 307 con piezas de reconocidos artistas, entre las que destacan las de Lucio Fontana, Yves Klein, Agnes Martin, Cy Twombly o Jeff Koons, que por primera vez se mostrarán en público como conjunto.
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller y Marta Blàvia

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

La Réunion des Musées Nationaux – Grand Palais y el Museo Guggenheim Bilbao presentan una gran exposición organizada conjuntamente y dedicada a la artista brasileña Tarsila do Amaral (1886–1973), cuya celebración comienza en el otoño de 2024 en el Musée du Luxembourg de París, y ya en invierno, en 2025, se mostrará en el Museo Guggenheim Bilbao.
Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que suscita cuestiones identitarias y sociales aún hoy de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
Salas: 201, 202, 203 
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sedes: Musée du Luxembourg, París; Museo Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Tarjeta postal (Cartão postal), 1929 
Óleo sobre lienzo, 127,5 x 142,5 cm 
Colección particular, Río de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Foto: Jaime Acioli

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno

La Réunion des Musées Nationaux – Grand Palais y el Museo Guggenheim Bilbao presentan una gran exposición organizada conjuntamente y dedicada a la artista

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno | Guggenheim Bilbao Museoa

Esta exposición reúne una selección de obras procedentes de las extensas colecciones del Museo de Bellas Artes –Galería Nacional Húngara de Budapest, ofreciendo una singular visión en torno a siete siglos de dibujo y grabado que pone de relieve la evolución y diversidad de técnicas de este género como reflejo de sus ricas tradiciones y su capacidad de innovación. Desde delicados bocetos que capturan la inmediatez del pensamiento de un artista hasta estudios detallados para grandes composiciones, la muestra abarca obras que datan desde alrededor de 1400 y llegan hasta el día de hoy. La colección destaca el vínculo entre el pensamiento artístico y la creatividad, poniendo de relieve la importancia de la obra sobre papel en la expresión del ser humano —“una forma de lenguaje” en palabras del escultor contemporáneo Richard Serra— y el poder de este medio para comunicar ideas y emociones complejas a lo largo de los siglos.
Los fondos de la Galería Nacional constan de decenas de miles de dibujos y más de 100.000 grabados, cuya frágil naturaleza impide su exposición prolongada. Por ello, esta exposición supone una oportunidad excepcional de ver obras que generalmente solo se pueden contemplar en exposiciones temporales o en publicaciones.
Salas: 205, 206, 207, 209 
Comisarias: Kinga Bódi y Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Retrato de perfil del hijo del artista, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Tiza negra y roja, pluma, tinta marrón, lavado marrón sobre papel, 246 × 202 mm 
MFA CPD; n.º inv.: 1745 
Adquirido a la Colección Esterházy, 1871 
© 2024 Museum of Fine Arts, Budapest

Obras maestras sobre papel de Budapest

Esta exposición reúne una selección de obras procedentes de las extensas colecciones del Museo de Bellas Artes –Galería Nacional Húngara de Budapest,

Obras maestras sobre papel de Budapest | Guggenheim Bilbao Museoa

La muestra inaugural de la serie in situ presentará una obra inmersiva, arquitectural y multisensorial de Refik Anadol (Estambul, 1985), internacionalmente reconocido videoartista y pionero de la estética de la inteligencia artificial. Anadol reside actualmente en Los Ángeles (California), donde se ubican sus estudios Refik Anadol Studio (RAS) y RAS LAB, cuyas investigaciones discurren en torno al descubrimiento y desarrollo de enfoques revolucionarios sobre las narrativas de datos. Anadol es asimismo profesor del Department of Design Media Arts de la Universidad de California en Los Ángeles, UCLA.
El trabajo de Anadol aborda los desafíos y las posibilidades que ha impuesto a la humanidad la ominipresente informática, cuestionando lo que significa ser humano en la era de la IA. Utilizando como material los datos de lo que nos rodea, y con la colaboración de un cerebro artificial dotado de una red neural, Anadol nos ofrece radicales visualizaciones de nuestros recuerdos digitalizados, ampliando las posibilidades de las artes, la arquitectura, la narrativa y el cuerpo en movimiento. Sus esculturas de ubicación específica realizadas a partir de datos de IA, sus performances audiovisuales en directo y sus instalaciones ambientales adoptan numerosas formas, al tiempo que animan a reflexionar en torno a nuestras relaciones con el mundo físico, las redes descentralizadas, las experiencias colectivas y el potencial creador de la inteligencia artificial.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Refik Anadol Studio 
Infografía digital para la exposición en el Museo Guggenheim Bilbao, 2023 
Cortesía Refik Anadol Studio

in situ: Refik Anadol

La muestra inaugural de la serie in situ presentará una obra inmersiva, arquitectural y multisensorial de Refik Anadol (Estambul, 1985),

in situ: Refik Anadol | Guggenheim Bilbao Museoa

En sus cinco décadas de carrera, Vito Acconci (Nueva York, 1940–2017) exploró la subjetividad por medio de la poesía concreta, la fotografía, el vídeo, la performance, la instalación y la arquitectura. Esta exposición tomará como punto de partida la colaboración y amistad que unió a esta figura histórica con un artista contemporáneo vasco, Sergio Prego (Donostia-San Sebastián, 1969) en los años finales de la carrera de aquel y en un momento determinante de la formación de este como parte del equipo de la oficina de proyectos de arte y arquitectura Acconci Studio. Realizada, igualmente, en colaboración con el archivo de Electronic Arts Intermix (EAI) en Nueva York, esta presentación planteará un recorrido subjetivo por la trayectoria de Acconci en el vídeo y la performance dentro de una escenografía diseñada por Prego. Este dispositivo incluirá, también, un diálogo con una selección de obras en estos medios realizadas por el artista donostiarra en las dos primeras décadas de nuestro siglo. En ellas, de una manera tan característica para Prego como afín al espíritu de Acconci, el cuerpo y la arquitectura son entendidos como agentes atravesados por fuerzas, de entre las que emerge el volumen escultórico entendido no como forma, sino como manifestación tangible de una tensión.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Peoplemobile, 1979 
Vista de la instalación en espacio público, Ámsterdam 
Foto: Fernando Pereira / Anefo

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

En sus cinco décadas de carrera, Vito Acconci (Nueva York, 1940–2017) exploró la subjetividad por medio de la poesía concreta, la fotografía, el vídeo, la

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Fundación BBVA

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas, una amplia retrospectiva dedicada a una de las artistas más innovadoras del siglo XX. La muestra explora el revolucionario enfoque con el que Frankenthaler aborda la pintura a través de una serie de obras realizadas entre 1953 y 2002, situadas en diálogo con pinturas y esculturas creadas por otros artistas coetáneos, como Jackson Pollock, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Mark Rothko, David Smith, Anthony Caro o Anne Truitt. La exposición pretende poner de relieve la innovadora práctica de Frankenthaler desde la perspectiva de las amistades, afinidades e influencias artísticas que marcaron su vida personal y artística.
A través de su rompedora técnica de “empapar y manchar”, Frankenthaler estableció un nuevo rumbo en la evolución de la pintura moderna mediante la construcción de una inédita relación entre el color, el espacio y la forma. Su proceso se basa en la aplicación de pintura diluida sobre lienzos monumentales sin imprimación colocados en el suelo del taller, creando efectos similares a los de la acuarela empleando primero el óleo y posteriormente el acrílico. La artista recurría a herramientas como pinceles y esponjas, o directamente vertía la pintura desde un cubo y dejaba que se extendiera y mezclara de manera natural, originando singulares combinaciones cromáticas que se distinguen por sus transiciones veladas y superposiciones translúcidas.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas rinde homenaje a una artista que desafió las convenciones y amplió los límites de la pintura, redefiniendo las normas tradicionales con su visión audaz e intuitiva. Sus poéticas abstracciones, debidas a su magistral técnica y prolífica imaginación, suponen un legado imperecedero.
La exposición está organizada por la Fondazione Palazzo Strozzi, Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao; y está comisariada por Douglas Dreishpoon, director del catálogo razonado de la artista.
Sala: 105
 
Helen Frankenthaler 
Muro Abierto (Open Wall), 1953 
Óleo sobre lienzo 
136,5 × 332,7 cm 
Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York 
© 2024 Helen Frankenthaler Foundation / VEGAP

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas, una amplia retrospectiva dedicada a una de las artistas más innovadoras del

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas | Guggenheim Bilbao Museoa

El Museo Guggenheim Bilbao se enorgullece de presentar la primera exposición antológica en España de la obra de la reconocida artista estadounidense Barbara Kruger. Durante más de cuarenta años, Kruger ha cautivado al público al combinar impactantes imágenes extraídas de los medios de comunicación con frases audaces y provocadoras que desafían al espectador a confrontar las dinámicas de poder que moldean la identidad, el deseo y el consumismo. Sus obras icónicas nos interpelan directamente, invitándonos a reflexionar sobre cómo nos relacionamos entre nosotros y con el mundo que nos rodea.
Esta exposición destaca la habilidad de Kruger para transformar los espacios arquitectónicos en experiencias inmersivas centradas en el texto. Los visitantes se adentrarán en instalaciones potentes donde el lenguaje ocupa un lugar central, envolviendo entornos completos con vinilos, paisajes sonoros y obras de video multicanal. Muchas de estas piezas revisitan y reimaginan los primeros trabajos de Kruger, revitalizándolos a través de la digitalización, pantallas LED de gran formato y la incorporación de sonido.
Organizada en estrecha colaboración con la artista, esta exposición invita al público a explorar las provocadoras investigaciones de Kruger sobre el lenguaje, los medios de comunicación y el significado en la era digital.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Sin título (POR SIEMPRE) [Untitled (FOREVER)], 2017 
Impresión en papel vinílico 
Dimensiones variables 
Vista de la instalación FOREVER, Sprüth Magers, Berlín, 16 de septiembre, 2017–20 de enero, 2018 
Cortesía de la artista y Sprüth Magers 
Foto: Timo Ohler

Barbara Kruger

El Museo Guggenheim Bilbao se enorgullece de presentar la primera exposición antológica en España de la obra de la reconocida artista estadounidense

Barbara Kruger | Guggenheim Bilbao Museoa

Sky Hopinka llega a la cinematografía través de su interés por los lenguajes indígenas y las técnicas narrativas. Miembro de la nación Ho-chunk y descendiente de los indios Pechanga Band de Luiseño Mission (California), Hopinka construye intrincadas obras en vídeo en las que fusiona historias personales, documentación sobre la vida nativa actual e iconografía abstracta como manera de reflexionar sobre el poder y los límites de la comunicación entre culturas.
La obra de Hopinka Desmayos (Fainting Spells, 2018) es una meditación en torno a la familia, la tradición, la sanación y el paisaje a través de la cual, el artista explora la mitología sobre la Xąwįska o pipa de indio, una planta medicinal utilizada por el pueblo Ho-chunk para despertar a una persona tras un desmayo. En el filme, una serie de textos sobre esta planta y su papel dentro de la tradición Ho-chunk van deslizándose superpuestos a imágenes abstractas de encuentros, lugares familiares y fenómenos naturales que, en muchas ocasiones, evocan la estética cinematográfica de las vanguardias históricas. Realizada casi exclusivamente en Washington y Colorado, la película es un ejemplo de la práctica actual de Hopinka, lo que él denomina un arte “etnopoético” centrado en la conexión creativa con las culturas indígenas vivas.
Para el artista, Desmayos es un análisis de “lo que nos enseña el mito y cómo lo hace; su presencia en las comunidades nativas en el momento presente; y la manera en que influye en cómo transitamos por el mundo”. Hopinka añade con frecuencia experiencias personales en su trabajo, en este caso a través de grabaciones de la voz de su padre en la película como parte de un exuberante paisaje instrumental.
Sala: 103 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Desmayos (Fainting Spells), 2018 
Video de tres canales en color, con sonido, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, edición de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, adquirido con fondos aportados por el Photography Council 
© Sky Hopinka

Sky Hopinka, Desmayos

Sky Hopinka llega a la cinematografía través de su interés por los lenguajes indígenas y las técnicas narrativas. Miembro de la nación Ho-chunk y

Sky Hopinka, Desmayos | Guggenheim Bilbao Museoa

El trabajo de Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908–París, 1992) incorpora una serie de estilos e influencias variados que van desde la geometría decorativa propia de los azulejos hispano-árabes a los manteles con dameros que aparecen en las pinturas de Pierre Bonnard. Por ello, los análisis de la obra de Vieira da Silva han tendido a destacar su deuda con diversos movimientos y estilos en lugar de poner de relieve el desarrollo de su particular vocabulario artístico. La relación entre la abstracción y la figuración en su obra, que se refleja en los espacios arquitectónicos que crea donde se desdibuja la distinción entre paisajes urbanos reales e imaginarios, es un tema poco tratado por la crítica y que la exposición tratará de resaltar.
Al analizar el trabajo de la artista entre las décadas de 1930 y 1980 y estudiar su relación con los paisajes arquitectónicos urbanos y el papel que desempeñan la memoria y el juego en su obra, la exposición irá más allá de las referencias formales a la cultura visual portuguesa y los movimientos de las vanguardias, como el Cubismo y el Futurismo. Para esta evaluación es fundamental reconsiderar la obra de Vieira da Silva como independiente de la estética del gesto propia del Informalismo —con el que se la ha vinculado con frecuencia— y reconocer su experiencia de la ciudad de París, entendida como polo de atracción transnacional tras la Segunda Guerra Mundial. La exposición abordará igualmente las redes que Vieira da Silva tendió durante su estancia en Río de Janeiro, lugar al que huyó con su esposo, Árpád Szenès, tras el estallido de la guerra. La exposición se fundamentará en una serie de pinturas clave que muestran el despliegue en constante evolución de formas abstractas e ilusiones ópticas en su trabajo.
Sala: 105 
Comisaria: Flavia Frigeri 
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; Museo Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París - Lisboa 
N.º de inventario: CR587

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

El trabajo de Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908–París, 1992) incorpora una serie de estilos e influencias variados que van desde la geometría

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio | Guggenheim Bilbao Museoa

Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales de la década de 1990, su influyente práctica ha abordado la relación entre la cultura popular y la tecnología, y explorado temas como la juventud, la clase social y la nostalgia. Su producción a base de objetos encontrados y sus obras en vídeo se basan en elementos procedentes de la cultura popular. Concretamente, Leckey es conocido por las piezas Fiorucci Made Me Hardcore (1999) e Industrial Light &amp; Magic (2008); esta última le hizo merecedor del Premio Turner en 2008. En los últimos seis años, Leckey ha presentado un programa de la emisora NTS Radio sobre música experimental a cargo de artistas tanto consagrados como emergentes. La exposición en el Museo Guggenheim Bilbao presentará la multiplicidad de fuentes que se integran en el trabajo de Leckey, como el sonido, la escultura y la performance.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Mark Leckey 
Vista de la instalación, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, 24 de septiembre - 5 de enero de 2020. 
Fotografía de Mark Blower, cortesía del artista, Cabinet Gallery London y Tate.

in situ: Mark Leckey

Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales

in situ: Mark Leckey | Guggenheim Bilbao Museoa

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del arte orientado al medioambiente de las últimas décadas. Además de brindar una nueva cartografía multidisciplinar y diversa de las formas artísticas, la muestra quiere también ofrecer un inventario de herramientas, posibilidades y futuros. Artes de la Tierra toma la preocupación actual por la salud de nuestro planeta y en particular por la supervivencia del suelo en tanto que elemento vivo, plástico y matriz, como eje vertebrador de un recorrido por manifestaciones artísticas que atraviesan todas las geografías. Un trazado que conecta artefactos hechos con tierra, madera, hojas, raíces y plantas —medios ancestrales que han cobrado una vigencia nueva en la actualidad— con intervenciones terrestres que han venido a conocerse como Land Art o Earthworks desde hace algunas décadas: anti-monumentos vivos, realizados en lugares remotos, a veces efímeros, cuyas marcas leemos hoy como profecías del Antropoceno.
Artistas de las culturas más diversas se han preguntado, a lo largo de las últimas generaciones, cómo trabajar la tierra cuando más necesita cuidado y reparación; cómo apreciar y devolver sus obsequios; cómo aprender de aquello que nos ofrece, cuando parece estar siendo despojada de su riqueza biológica, mineral, orgánica y química. El potencial constructivo del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la arquitectura o el paisajismo. En los últimos años, muchos artistas han experimentado con las dinámicas del sustrato, han unido procesos de composición y compostado, trazando líneas y revelando las raíces comunes de cultura y agricultura; forma, formación y terraformación. Así, Artes de la Tierra reúne trabajos históricos desde 1970 hasta la actualidad, y aborda medios como la escultura, la instalación, el dibujo y la performance, además de una extensa selección de materiales de archivo. Incluyendo prácticas que a menudo convocan formas múltiples de conocimiento colaborativamente, vemos cómo la agronomía, la botánica, la geología, la química y la biología vienen al encuentro de las artes, la arquitectura y el diseño.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Uña y hojas de laurel (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Vidrio y hojas de laurel 
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery 
Foto: Alex Yudzon

Artes de la Tierra

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del

Artes de la Tierra | Guggenheim Bilbao Museoa

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Peggy Guggenheim Collection

Guggenheim Abu Dhabi

Martes a domingo, de 10:00 a 19:00 h <a href="/horarios-y-tarifas">[+info]</a>

Exposiciones

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

30.11.2024 - 16.03.2025

Hilma af Klint

18.10.2024 - 02.02.2025

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2025

Exposiciones

futuras

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno

Obras maestras sobre papel de Budapest

in situ: Refik Anadol

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

Barbara Kruger

Sky Hopinka, Desmayos

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

in situ: Mark Leckey

Artes de la Tierra

Exposicionespasadas

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