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Exposiciones

Consulta toda la información necesaria sobre las exposiciones actuales y exposiciones futuras del Museo Guggenheim Bilbao.

Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

in situ: Refik Anadol

Charla inaugural

Partner de la exposición:

1of1

Partner tecnológico:

Euskaltel (Anadol)

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de la práctica contemporánea. Englobando a autores que trabajan en el ámbito del arte, la tecnología, la música y la performance, in situ investiga formas alternativas de percibir y habitar el espacio.
in situ: Refik Anadol acoge Arquitectura viva: Gehry, una innovadora instalación audiovisual que reimagina el legado arquitectónico de Frank Gehry a través de la inteligencia artificial (IA) y el arte generativo. Desarrollado por Refik Anadol Studio, un modelo personalizado de IA (Large Architecture Model) tecnológicamente avanzado ha sido entrenado durante meses con un amplísimo número de imágenes, bocetos y planos de acceso libre con el fin de traducir el vocabulario arquitectónico de Gehry en dinámicas formas, colores y movimientos en constante evolución. Este espectáculo visual es intensificado por el paisaje sonoro inmersivo compuesto por Kerim Karaoglu fusionando el audio generado por la IA con grabaciones registradas en el propio Museo.
Arquitectura viva: Gehry se despliega en seis capítulos interconectados, cada uno de los cuales representa una etapa diferente del proceso mediante el cual los datos se convierten en fantasía arquitectónica:
<ul>
<li>Capítulo I — Universo de datos. Una vasta constelación de datos y materiales —fotografías de archivo, planos y documentos estructurales— se van compilando en una memoria.</li>
<li>Capítulo II — Trazado de datos. A medida que los datos se procesan, surgen patrones complejos a través de formas, texturas y composiciones en el espacio.</li>
<li>Capítulo III — Túnel de datos. Los datos pasan a configurar entornos visuales inmersivos en el espacio latente, invitando al público a adentrarse en la evolución del proceso de colaboración entre seres humanos y máquinas.</li>
<li>Capítulo IV — Large Architecture Model. Al transformar las formas de Gehry, la IA genera nuevas posibilidades arquitectónicas que traspasan los límites de la imaginación y el diseño.</li>
<li>Capítulo V — Alucinación de la máquina. Un momento de abstracción, en el que las estructuras generadas por IA se liberan de los límites convencionales del espacio y revelan visiones arquitectónicas alucinatorias y oníricas.</li>
<li>Capítulo VI — Sueños. Regreso al universo de la arquitectura, reinterpretado ahora a través de la imaginación ilimitada de la IA, donde la arquitectura se transforma en tiempo real, generando incesantemente nuevas formas que surgen y evolucionan a cada instante.</li>
</ul>
Como exposición inaugural de la serie in situ, Arquitectura viva: Gehry refleja bien la exploración de Anadol sobre el futuro del arte de ubicación específica impulsado por inteligencia artificial, en el que los datos se convierten en material y el espacio en un lienzo de memoria, forma e imaginación en constante evolución.
Desarrollada a partir de datos obtenidos de manera ética y la aplicación de una computación sostenible, esta instalación muestra un cuidadoso enfoque de la creación digital que aúna innovación y responsabilidad.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Refik Anadol Studio 
Vista de la instalación Arquitectura viva: Gehry (Living Architecture: Gehry) en el Museo Guggenheim Bilbao 
© Refik Anadol, Bilbao 2025

El proceso tras Arquitectura viva: Gehry

En el museo

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de

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Obras maestras sobre papel de Budapest

Audioguía

Plano audioguía

Estudios de cabezas, ca. 1504–05

Vista de Sarmingstein junto al Danubio, 1511

Venus desarmando a Cupido, ca. 1527–30

Granja holandesa entre luces y sombras, 1635–36

Lámina de estudio, Dos modelos femeninos y paños, ca. 1717

Vista de Budapest, 1881

El jardín de la casa parroquial de Nuenen en invierno, 1884

Dos mujeres abrazadas, 1915

Composición, 1922

13 trazos, 2016

Esta exposición es fruto de la colaboración establecida entre el Museo Guggenheim Bilbao y el Museo de Bellas Artes – Galería Nacional Húngara de Budapest, reconocida institución que exhibe arte internacional desde la Antigüedad hasta el siglo XXI, y arte húngaro que se remonta a la Edad Media y llega hasta hoy. Entre las colecciones que integran sus fondos destaca por su cantidad y arco temporal la de Estampas y Dibujos, que atesora aproximadamente 9.000 dibujos y 100.000 grabados de autores europeos.
La muestra presenta una amplia y variada selección de piezas de grandes artistas —como Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Rafael, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse y Gerhard Richter—, con las que ofrece un completo panorama de la creación gráfica desde el siglo XV hasta la actualidad. Las cerca de 150 obras maestras elegidas recorren las centenarias tradiciones de los géneros del dibujo y el grabado, revelando su constante apertura a la renovación, sus diversas soluciones formales, sus rasgos esenciales y sus característicos efectos estéticos.
Doce secciones temáticas articulan la exposición, abordando las diferentes tendencias de cada época y las cuestiones e interacciones más significativas que se producen en los ámbitos del dibujo y la estampa. Por un lado, la muestra transmite al público la diversidad técnica que define a estos medios, pero también indaga en un estrato más profundo, al señalar sus diversas funciones, con la finalidad de poner de relieve la importancia del dibujo y el grabado dentro de la historia del arte y su permanente fidelidad a su esencia a través de los siglos y los numerosos cambios de tendencias y estilos.
La exposición brinda asimismo una panorámica de la rica y azarosa historia de la Colección de Estampas y Dibujos del Museo de Bellas Artes de Budapest, la colección de obras sobre papel más valiosa de Hungría, complementada con una serie de documentos de archivo que narran sus orígenes a partir de los fondos de la importante familia noble húngara de los Esterházys y los logros alcanzados gracias al empeño de muchos directores, conservadores y curadores del museo.
Salas: 205, 206, 207, 209 
Comisarias: Kinga Bódi y Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Retrato de perfil del hijo del artista, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Sanguina, clarión negro, pluma, tinta parda, pincel y aguada parda sobre papel, 246 × 203 mm 
MBA CED; inv. n.º 1745 
Adquirido a la Colección Esterházy, 1871 
© 2025 Museum of Fine Arts, Budapest

Difundiendo ideas e imágenes

Buril y aguafuerte

Litografía

Xilografía

En el Museo

Esta exposición es fruto de la colaboración establecida entre el Museo Guggenheim Bilbao y el Museo de Bellas Artes – Galería Nacional Húngara de

Obras maestras sobre papel de Budapest | Guggenheim Bilbao Museoa

Tarsila do Amaral

París/São Paulo: pasaportes para la modernidad

Una “Pequeña caipira vestida por Poiret”

La invención del paisaje brasileño

Primitivismo e identidad(es)

El Brasil caníbal

Trabajadores y trabajadoras

Nuevos paisajes

Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que, aún hoy, suscita cuestiones identitarias y sociales de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao y le GrandPalaisRmn
Salas: 201, 202, 203 
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sedes: Musée du Luxembourg, París; Museo Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Tarjeta postal (Cartão postal), 1929 
Óleo sobre lienzo, 127,5 x 142,5 cm 
Colección particular, Río de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Foto: Jaime Acioli

Cronología

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno

Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno | Guggenheim Bilbao Museoa

Paul Pfeiffer

Los productos puros se vuelven locos

La cuenta larga (Estruendo en la jungla)

Maldad en directo (Kuala Lumpur)

La mañana después del Diluvio

Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis

Los Santos

Torso de Justin Bieber

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados mecanismos empleados para la construcción de imágenes en la cultura contemporánea. Abarcando una diversidad de medios, como el vídeo, la fotografía, la escultura y la instalación, su obra le permite explorar las diferentes y complejas formas en que las imágenes definen nuestra percepción y experiencia.
Resulta clave en el trabajo de Pfeiffer su manipulación de imágenes en movimiento de eventos deportivos, conciertos de música y películas, que el artista edita con destreza mediante tecnología digital. Sus creaciones a menudo reflexionan sobre la dicotomía entre veneración y cosificación, particularmente en referencia a iconos globales, como deportistas o estrellas del pop. Pfeiffer pone de relieve los distintos roles que desempeñan estas figuras en la cultura de masas, dirigiendo la atención hacia la artificiosidad de las representaciones que proyectan los medios e incitando al público a examinar de manera crítica su propia posición en el consumo de estas imágenes.
Las instalaciones de Pfeiffer a menudo incorporan elementos relacionados con la escala, yuxtaponiendo formatos minúsculos con otros de gran envergadura para alterar nuestra relación con la obra. Este enfoque intensifica la percepción de la presencia física de quien observa en relación con el espectáculo. Además, Pfeiffer emplea la forma arquitectónica del estadio y otros recintos similares como un prisma crítico a través del cual examina la experiencia colectiva que entraña ser espectadores. A su juicio, estos espacios no son meros lugares de entretenimiento, sino escenarios donde se definen y cuestionan identidades sociales y políticas.
La exposición Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad constituye la presentación más amplia del trabajo de este artista en Europa, con una treintena de obras que abarcan el conjunto de su prominente carrera y reafirman su posición como uno de los creadores más influyentes del momento. Comenzando en esta sala y continuando en la galería 103 (en esta misma planta), la muestra traza la evolución de Pfeiffer a través de piezas icónicas que se basan en la intensidad de las narrativas de los deportes y la religión, y se exhiben junto a otras obras recientes que abordan el legado del colonialismo y los aspectos identitarios que conlleva. En definitiva, esta muestra no solo celebra la decisiva aportación de Pfeiffer al arte contemporáneo, sino que también proporciona un marco crítico para analizar las complejas cuestiones de la identidad, la pertenencia y la influencia generalizada de la cultura de los famosos, subrayando la relevancia de su trabajo en una sociedad saturada por los medios.
Exposición organizada por The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Salas: 105 y 103
 
Paul Pfeiffer 
Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Impresión mate en color 
146,3 x 182,9 cm 
Cortesía del artista y carlier | gebauer 
© Paul Pfeiffer. Cortesía del artista; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; y Thomas Dane Gallery, Londres
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Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Arquitectura de masas

La práctica de Pfeiffer

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Paul Pfeiffer. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad | Guggenheim Bilbao Museoa

3ª planta

Tercera planta

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
En el otoño de 2025 una selección de las obras de la Colección Rodenstock en préstamo a largo plazo se presentará en las salas 305, 306 y 307 con piezas de reconocidos artistas, entre las que destacan las de Lucio Fontana, Yves Klein, Agnes Martin, Cy Twombly o Jeff Koons, que por primera vez se mostrarán en público como conjunto.
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller y Marta Blàvia

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

En sus cinco décadas de carrera, Vito Acconci (Nueva York, 1940–2017) exploró la subjetividad por medio de la poesía concreta, la fotografía, el vídeo, la performance, la instalación y la arquitectura. Esta exposición tomará como punto de partida la colaboración y amistad que unió a esta figura histórica con un artista contemporáneo vasco, Sergio Prego (Donostia-San Sebastián, 1969) en los años finales de la carrera de aquel y en un momento determinante de la formación de este como parte del equipo de la oficina de proyectos de arte y arquitectura Acconci Studio. Realizada, igualmente, en colaboración con el archivo de Electronic Arts Intermix (EAI) en Nueva York, esta presentación planteará un recorrido subjetivo por la trayectoria de Acconci en el vídeo y la performance dentro de una escenografía diseñada por Prego. Este dispositivo incluirá, también, un diálogo con una selección de obras en estos medios realizadas por el artista donostiarra en las dos primeras décadas de nuestro siglo. En ellas, de una manera tan característica para Prego como afín al espíritu de Acconci, el cuerpo y la arquitectura son entendidos como agentes atravesados por fuerzas, de entre las que emerge el volumen escultórico entendido no como forma, sino como manifestación tangible de una tensión.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Three Adaptation Studies, 1970 
Film Super 8mm transferido a video (fotograma) 
Courtesy Electronic Arts Intermix, New York

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

En sus cinco décadas de carrera, Vito Acconci (Nueva York, 1940–2017) exploró la subjetividad por medio de la poesía concreta, la fotografía, el vídeo, la

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Fundación BBVA

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas, una amplia retrospectiva dedicada a una de las artistas más innovadoras del siglo XX. La muestra explora el revolucionario enfoque con el que Frankenthaler aborda la pintura a través de una serie de obras realizadas entre 1953 y 2002, situadas en diálogo con pinturas y esculturas creadas por otros artistas coetáneos, como Jackson Pollock, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Mark Rothko, David Smith, Anthony Caro o Anne Truitt. La exposición pretende poner de relieve la innovadora práctica de Frankenthaler desde la perspectiva de las amistades, afinidades e influencias artísticas que marcaron su vida personal y artística.
A través de su rompedora técnica de “empapar y manchar”, Frankenthaler estableció un nuevo rumbo en la evolución de la pintura moderna mediante la construcción de una inédita relación entre el color, el espacio y la forma. Su proceso se basa en la aplicación de pintura diluida sobre lienzos monumentales sin imprimación colocados en el suelo del taller, creando efectos similares a los de la acuarela empleando primero el óleo y posteriormente el acrílico. La artista recurría a herramientas como pinceles y esponjas, o directamente vertía la pintura desde un cubo y dejaba que se extendiera y mezclara de manera natural, originando singulares combinaciones cromáticas que se distinguen por sus transiciones veladas y superposiciones translúcidas.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas rinde homenaje a una artista que desafió las convenciones y amplió los límites de la pintura, redefiniendo las normas tradicionales con su visión audaz e intuitiva. Sus poéticas abstracciones, debidas a su magistral técnica y prolífica imaginación, suponen un legado imperecedero.
La exposición está organizada por la Fondazione Palazzo Strozzi, Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao; y está comisariada por Douglas Dreishpoon, director del catálogo razonado de la artista.
Sala: 105
 
Helen Frankenthaler 
Muro Abierto (Open Wall), 1953 
Óleo sobre lienzo 
136,5 × 332,7 cm 
Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York 
© 2024 Helen Frankenthaler Foundation / VEGAP

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas, una amplia retrospectiva dedicada a una de las artistas más innovadoras del

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Occident

El Museo Guggenheim Bilbao se enorgullece de presentar la primera exposición antológica en España de la obra de la reconocida artista estadounidense Barbara Kruger. Durante más de cuarenta años, Kruger ha cautivado al público al combinar impactantes imágenes extraídas de los medios de comunicación con frases audaces y provocadoras que desafían al espectador a confrontar las dinámicas de poder que moldean la identidad, el deseo y el consumismo. Sus obras icónicas nos interpelan directamente, invitándonos a reflexionar sobre cómo nos relacionamos entre nosotros y con el mundo que nos rodea.
Esta exposición destaca la habilidad de Kruger para transformar los espacios arquitectónicos en experiencias inmersivas centradas en el texto. Los visitantes se adentrarán en instalaciones potentes donde el lenguaje ocupa un lugar central, envolviendo entornos completos con vinilos, paisajes sonoros y obras de video multicanal. Muchas de estas piezas revisitan y reimaginan los primeros trabajos de Kruger, revitalizándolos a través de la digitalización, pantallas LED de gran formato y la incorporación de sonido.
Organizada en estrecha colaboración con la artista, esta exposición invita al público a explorar las provocadoras investigaciones de Kruger sobre el lenguaje, los medios de comunicación y el significado en la era digital.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Sin título (POR SIEMPRE) [Untitled (FOREVER)], 2017 
Impresión en papel vinílico 
Dimensiones variables 
Vista de la instalación FOREVER, Sprüth Magers, Berlín, 16 de septiembre, 2017–20 de enero, 2018 
Cortesía de la artista y Sprüth Magers 
Foto: Timo Ohler

Barbara Kruger

El Museo Guggenheim Bilbao se enorgullece de presentar la primera exposición antológica en España de la obra de la reconocida artista estadounidense

Barbara Kruger | Guggenheim Bilbao Museoa

Sky Hopinka llega a la cinematografía través de su interés por los lenguajes indígenas y las técnicas narrativas. Miembro de la nación Ho-chunk y descendiente de los indios Pechanga Band de Luiseño Mission (California), Hopinka construye intrincadas obras en vídeo en las que fusiona historias personales, documentación sobre la vida nativa actual e iconografía abstracta como manera de reflexionar sobre el poder y los límites de la comunicación entre culturas.
La obra de Hopinka Desmayos (Fainting Spells, 2018) es una meditación en torno a la familia, la tradición, la sanación y el paisaje a través de la cual, el artista explora la mitología sobre la Xąwįska o pipa de indio, una planta medicinal utilizada por el pueblo Ho-chunk para despertar a una persona tras un desmayo. En el filme, una serie de textos sobre esta planta y su papel dentro de la tradición Ho-chunk van deslizándose superpuestos a imágenes abstractas de encuentros, lugares familiares y fenómenos naturales que, en muchas ocasiones, evocan la estética cinematográfica de las vanguardias históricas. Realizada casi exclusivamente en Washington y Colorado, la película es un ejemplo de la práctica actual de Hopinka, lo que él denomina un arte “etnopoético” centrado en la conexión creativa con las culturas indígenas vivas.
Para el artista, Desmayos es un análisis de “lo que nos enseña el mito y cómo lo hace; su presencia en las comunidades nativas en el momento presente; y la manera en que influye en cómo transitamos por el mundo”. Hopinka añade con frecuencia experiencias personales en su trabajo, en este caso a través de grabaciones de la voz de su padre en la película como parte de un exuberante paisaje instrumental.
Sala: 103 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Desmayos (Fainting Spells), 2018 
Video de tres canales en color, con sonido, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, edición de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, adquirido con fondos aportados por el Photography Council 
© Sky Hopinka

Sky Hopinka, Desmayos

Sky Hopinka llega a la cinematografía través de su interés por los lenguajes indígenas y las técnicas narrativas. Miembro de la nación Ho-chunk y

Sky Hopinka, Desmayos | Guggenheim Bilbao Museoa

El trabajo de Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908–París, 1992) incorpora una serie de estilos e influencias variados que van desde la geometría decorativa propia de los azulejos hispano-árabes a los manteles con dameros que aparecen en las pinturas de Pierre Bonnard. Por ello, los análisis de la obra de Vieira da Silva han tendido a destacar su deuda con diversos movimientos y estilos en lugar de poner de relieve el desarrollo de su particular vocabulario artístico. La relación entre la abstracción y la figuración en su obra, que se refleja en los espacios arquitectónicos que crea donde se desdibuja la distinción entre paisajes urbanos reales e imaginarios, es un tema poco tratado por la crítica y que la exposición tratará de resaltar.
Al analizar el trabajo de la artista entre las décadas de 1930 y 1980 y estudiar su relación con los paisajes arquitectónicos urbanos y el papel que desempeñan la memoria y el juego en su obra, la exposición irá más allá de las referencias formales a la cultura visual portuguesa y los movimientos de las vanguardias, como el Cubismo y el Futurismo. Para esta evaluación es fundamental reconsiderar la obra de Vieira da Silva como independiente de la estética del gesto propia del Informalismo —con el que se la ha vinculado con frecuencia— y reconocer su experiencia de la ciudad de París, entendida como polo de atracción transnacional tras la Segunda Guerra Mundial. La exposición abordará igualmente las redes que Vieira da Silva tendió durante su estancia en Río de Janeiro, lugar al que huyó con su esposo, Árpád Szenès, tras el estallido de la guerra. La exposición se fundamentará en una serie de pinturas clave que muestran el despliegue en constante evolución de formas abstractas e ilusiones ópticas en su trabajo.
Sala: 105 
Comisaria: Flavia Frigeri 
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; Museo Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París - Lisboa 
N.º de inventario: CR587

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

El trabajo de Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908–París, 1992) incorpora una serie de estilos e influencias variados que van desde la geometría

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio | Guggenheim Bilbao Museoa

Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales de la década de 1990, su influyente práctica ha abordado la relación entre la cultura popular y la tecnología, y explorado temas como la juventud, la clase social y la nostalgia. Su producción a base de objetos encontrados y sus obras en vídeo se basan en elementos procedentes de la cultura popular. Concretamente, Leckey es conocido por las piezas Fiorucci Made Me Hardcore (1999) y UniAddDumThs; (2015–actualidad). En 2008, recibió el premio Turner por la exposición Industrial Light and Magic, del mismo año.
En los últimos seis años, Leckey ha presentado un programa de la emisora NTS Radio sobre música experimental a cargo de artistas tanto consagrados como emergentes. La exposición en el Museo Guggenheim Bilbao presentará la multiplicidad de fuentes que se integran en el trabajo de Leckey, como el sonido, la escultura y la performance.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Mark Leckey 
Vista de la instalación, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, 24 de septiembre - 5 de enero de 2020. 
Fotografía de Mark Blower, cortesía del artista, Cabinet Gallery London y Tate.

in situ: Mark Leckey

Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales

in situ: Mark Leckey | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del arte orientado al medioambiente de las últimas décadas. Además de brindar una nueva cartografía multidisciplinar y diversa de las formas artísticas, la muestra quiere también ofrecer un inventario de herramientas, posibilidades y futuros. Artes de la Tierra toma la preocupación actual por la salud de nuestro planeta y en particular por la supervivencia del suelo en tanto que elemento vivo, plástico y matriz, como eje vertebrador de un recorrido por manifestaciones artísticas que atraviesan todas las geografías. Un trazado que conecta artefactos hechos con tierra, madera, hojas, raíces y plantas —medios ancestrales que han cobrado una vigencia nueva en la actualidad— con intervenciones terrestres que han venido a conocerse como Land Art o Earthworks desde hace algunas décadas: anti-monumentos vivos, realizados en lugares remotos, a veces efímeros, cuyas marcas leemos hoy como profecías del Antropoceno.
Artistas de las culturas más diversas se han preguntado, a lo largo de las últimas generaciones, cómo trabajar la tierra cuando más necesita cuidado y reparación; cómo apreciar y devolver sus obsequios; cómo aprender de aquello que nos ofrece, cuando parece estar siendo despojada de su riqueza biológica, mineral, orgánica y química. El potencial constructivo del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la arquitectura o el paisajismo. En los últimos años, muchos artistas han experimentado con las dinámicas del sustrato, han unido procesos de composición y compostado, trazando líneas y revelando las raíces comunes de cultura y agricultura; forma, formación y terraformación. Así, Artes de la Tierra reúne trabajos históricos desde 1970 hasta la actualidad, y aborda medios como la escultura, la instalación, el dibujo y la performance, además de una extensa selección de materiales de archivo. Incluyendo prácticas que a menudo convocan formas múltiples de conocimiento colaborativamente, vemos cómo la agronomía, la botánica, la geología, la química y la biología vienen al encuentro de las artes, la arquitectura y el diseño.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Uña y hojas de laurel (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Vidrio y hojas de laurel 
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery 
Foto: Alex Yudzon

Artes de la Tierra

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del

Artes de la Tierra | Guggenheim Bilbao Museoa

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Exposiciones

in situ: Refik Anadol

07.03.2025 - 19.10.2025

Obras maestras sobre papel de Budapest

28.02.2025 - 01.06.2025

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno

21.02.2025 - 01.06.2025

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

30.11.2024 - 16.03.2025

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2025

Exposiciones

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Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

Barbara Kruger

Sky Hopinka, Desmayos

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

in situ: Mark Leckey

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