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Expositions

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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Paul Pfeiffer

Conférence inaugurale

Plan des audioguides

Paul Pfeiffer 

Guide-audio

Les produits purs deviennent fous

Le Long Décompte (Vacarme dans la jungle)

Le Mal en direct (Kuala Lumpur)

Le Matin après le déluge

Les Quatre Cavaliers de l’apocalypse

Les Saints

Torse de Justin Bieber

Dans sa pratique artistique, Paul Pfeiffer analyse en profondeur la nature du spectacle, l’identité et les mécanismes complexes employés dans la culture contemporaine pour construire les images. À l’aide d’une multiplicité de supports (vidéo, photos, sculptures, installations…), il explore les modes variés et complexes par lesquels les images façonnent notre perception et notre expérience.
Pfeiffer aime manipuler des images issues d’événements sportifs, de concerts et de films, qu’il monte adroitement avec des outils numériques. Souvent, ses créations invitent à réfléchir sur la dichotomie entre la vénération et la réification, notamment concernant les athlètes ou les stars de la pop, entre autres icônes mondiales. En mettant en avant les différents rôles que jouent ces personnages dans la culture de masse, Pfeiffer souligne le caractère artificiel des représentations médiatiques et incite le visiteur à examiner d’un oeil critique sa propre consommation de ces images.
Ses installations intègrent souvent des éléments d’échelle : formats minuscules et grands formats sont juxtaposés pour perturber notre perception de l’oeuvre. La conscience de la présence physique de l’observateur par rapport au spectacle est ainsi intensifiée. En outre, Pfeiffer utilise la forme architecturale du stade et d’autres lieux similaires comme un prisme critique à travers lequel il examine l’expérience collective vécue par le fait d’être spectateur. Selon lui, ces espaces ne sont pas de simples lieux de divertissement, mais des arènes où les identités sociales et politiques sont définies et remises en question.
Paul Pfeiffer : Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté est l’exposition la plus complète de l’artiste en Europe. À travers une trentaine d’oeuvres, le visiteur découvre le remarquable parcours de celui qui est, incontestablement, l’un des créateurs les plus influents du moment. Commençant dans cette salle et se poursuivant dans la galerie 103 (au même étage), l’exposition retrace l’évolution de Pfeiffer à travers des oeuvres emblématiques qui s’inspirent de l’intensité des récits sportifs et religieux, mais également par des oeuvres plus récentes qui explorent l’héritage du colonialisme et les problèmes d’identité qu’il a engendrés. En définitive, cette exposition célèbre la contribution décisive de Pfeiffer à l’art contemporain et fournit un cadre critique pour analyser des questions complexes comme l’identité, l’appartenance et l’influence omniprésente de la culture des célébrités, tout en soulignant la pertinence de son oeuvre dans une société saturée par les médias.
Exposition organisée par The Museum of Contemporary Art de Los Angeles avec la collaboration du Musée Guggenheim Bilbao
Salles : 105 et 103
 
Paul Pfeiffer 
Les Quatre Cavaliers de l’apocalypse (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Impression mate en couleur 
146,3 x 182,9 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. 
Courtesy of the artist; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; and Thomas Dane Gallery, London

Paul Pfeiffer : Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Architecture de masse

La pratique de Pfeiffer

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Dans sa pratique artistique, Paul Pfeiffer analyse en profondeur la nature du spectacle, l’identité et les mécanismes complexes employés dans la culture

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté | Musée Guggenheim Bilbao

Hilma af Klint

Iberdrola

Salle 205

Les débuts

Dessins spirituels, Les Cinq (1896–1908)

Chaos primordial (1906–07)

Éros (1907)

Salle 206

Les grandes peintures de figures (1907)

Salle 207

L’étoile à sept branches (1908)

Évolution (1908)

Salle 209

Les dix plus grands (1907)

Salle 203

La Colombe (1915)

Retables et tableau final (1915)

Salle 202 

Série Parsifal et série de l’atome (1916–17)

Salle 202

Séries géométriques et aquarelles (1920−22)

Salle 204

L’Arbre de la connaissance (1913)

Salle 208

Le Cygne (1915)

En 1906, Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) entreprend son projet le plus important et le plus innovant, Peintures pour le temple. En près d’une décennie, elle crée 193 peintures et dessins qui se démarquent complètement des représentations connues jusqu’alors. Audacieuses, colorées et souvent dépourvues de références au monde visible, ces pièces explorent les forces et les structures qui, selon Af Klint, étaient cachées à la vue de tous. Dans ce travail, l’artiste abandonne les conventions de la tradition académique suédoise et s’inspire des courants scientifiques et spirituels de son époque. Elle intègre des idées et l’iconographie de ces deux domaines et développe simultanément un langage artistique personnel et singulier. Af Klint s’impose ainsi comme une pionnière de la représentation de l’invisible.
Alors qu’elle fait son chemin en tant qu’artiste, elle est témoin des profonds changements sociaux de son époque, et notamment des mouvements pour les droits des femmes. Malgré les restrictions auxquelles les femmes doivent faire face à la fin du XIXème et au début du XXème siècle, Af Klint se forme à l’Académie royale suédoise des Beaux-Arts et expose ses œuvres figuratives les plus traditionnelles, mais elle devra se battre pour développer son art en toute liberté. En effet, à une époque où l’on considère que les femmes artistes ne sont pas capables d’innover mais seulement de copier, elle expose très rarement ses créations les plus abstraites et radicales et peine à trouver son public. Très déterminée, elle organise, préserve et catalogue son œuvre en détail, dans le but de la partager avec le public du futur. Elle exige même que son œuvre ne soit exposée que vingt ans après sa mort, estimant que le monde serait alors prêt à la comprendre. Ses peintures seront finalement exposées en 1986, quarante-deux ans après sa mort. Mais il faudra encore plusieurs décennies pour que son magnifique héritage soit apprécié à sa juste valeur.
Cette exposition retrace la carrière de l’artiste suédoise, incluant, outre 110 de ses Peintures pour le temple, plusieurs créations précoces plus conventionnelles, des dessins automatiques réalisés avec le groupe spiritiste des Cinq, ses séries à dominante géométrique créées après la série des Peintures pour le temple, et des aquarelles et des carnets de sa dernière période.
Salles : Deuxième Étage 
Commissaires : Tracey R. Bashkoff, directrice senior des collections et conservatrice senior, Solomon R. Guggenheim Museum, et Lucía Agirre, conservatrice, Musée Guggenheim Bilbao
 
Hilma af Klint 
Groupe VI, Évolution, no. 16, Série WUS/Étoile à sept branches 
(Grupp VI, Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Huile sur toile 
102 x 133 cm 
The Hilma af Klint Foundation, Stockholm HaK 84

Croyances spirituelles et théosophie. Passerelles vers des mondes spirituels

Avancées scientifiques. Derrière les forces de la matière

La voix des femmes. De l’obscurité à la sphère publique

Œuvres figuratives et abstraites. Observation et invention

Chronologie

Au musée

Vidéo de l'exposition

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Hilma af Klint. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

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VISITE VIRTUELLE

En 1906, Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) entreprend son projet le plus important et le plus innovant, Peintures pour le temple. En près d’une

Hilma af Klint | Musée Guggenheim Bilbao

La Réunion des Musées Nationaux – Grand Palais et le Musée Guggenheim Bilbao présentent une grande exposition organisée conjointement, consacrée à l'artiste brésilienne Tarsila do Amaral (1886–1973). Cette rétrospective débutera à l'automne 2024 au Musée du Luxembourg à Paris, avant de se déplacer au Musée Guggenheim Bilbao à l'hiver 2025.
Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (ou Tarsila, son nom artistique) est l'auteure d'une œuvre originale et saisissante, qui puise à la fois dans l'imaginaire indigèniste et populaire et dans les dynamiques d'un pays en pleine transformation.
Dans les années 1920, evoluant entre São Paulo et Paris, Tarsila do Amaral a joué le rôle de passeuse entre les avant-gardes de ces deux capitales culturelles, tout en mettant son univers iconographique brésilien à l’épreuve du cubisme et du primitivisme, alors en vogue à Paris. Sa peinture inspire les mouvements Pau-Brasil et Anthropophage, qui, dans leur quête d'un Brésil "authentique", multiculturel et multiracial, remettent en question l'influence des anciennes puissances coloniales européennes.
La dimension militante des œuvres de Tarsila des années 1930 et sa capacité à suivre les profondes transformations sociales et urbaines de son époque, jusqu'aux années 1960, témoignent de la puissance d'une créativité en parfaite harmonie avec son temps, toujours prête à se renouveler, malgré les conditions instables que peut rencontrer, en fonction des époques et des contextes, une artiste femme émancipée et indépendante.
En nous invitant à explorer une modernité brésilienne qu'elle a contribué à façonner bien plus qu'à illustrer, Tarsila do Amaral dévoile à travers son œuvre toute la complexité de ce concept, toujours ouvert à débat, qui soulève des questions identitaires et sociétales qui demeurent très actuelles, tant au Brésil qu'en Europe.
Salles : 201, 202, 203 
Commissaires : Cecilia Braschi et Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sièges : Musée du Luxembourg, Paris ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Carte postale (Cartão postal), 1929 
Huile sur toile, 127,5 x 142,5 cm 
Collection particulière, Rio de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Photo : Jaime Acioli

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne

La Réunion des Musées Nationaux – Grand Palais et le Musée Guggenheim Bilbao présentent une grande exposition organisée conjointement, consacrée à

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne | Musée Guggenheim Bilbao

Cette exposition réunit une sélection d'œuvres issues des vastes collections du Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale Hongroise de Budapest, et offre une vision unique sur sept siècles de dessins et de gravures. L'accrochage met l'accent sur l’évolution et la diversité des techniques de ces genres, témoignant de la richesse de ses traditions et de leur capacité à innover. Des croquis délicats, capturant l'immédiateté de la pensée de l'artiste aux études détaillées pour de grandes compositions, cette exposition couvre des œuvres datant de 1400 jusqu'à aujourd'hui. La collection souligne le lien entre la pensée artistique et la créativité, en mettant en valeur l'importance de l'œuvre sur papier dans l'expression humaine – " une forme de langage ", selon les mots du sculpteur contemporain Richard Serra – et le pouvoir de ce médium pour transmettre des idées et des émotions complexes à travers les siècles.
Les collections de la Galerie Nationale comprennent des dizaines de milliers de dessins et plus de 100 000 gravures, dont la fragilité empêche une exposition prolongée. Ainsi, cette exposition offre une occasion exceptionnelle de découvrir des œuvres qui sont généralement visibles uniquement dans des expositions temporaires ou des publications.
Salles : 205, 206, 207, 209 
Commissaires : Kinga Bódi et Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Portrait de profil du fils de l’artiste, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Craie noire et rouge, plume, encre brune, lavis brun sur papier 
246 × 202 mm 
MFA CPD ; n° d’inventaire : 1745 
Acquis de la collection Esterházy, 1871 
© 2024 Museum of Fine Arts, Budapest

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest

Cette exposition réunit une sélection d'œuvres issues des vastes collections du Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale Hongroise de Budapest, et offre

Chefs-d&#039;œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

La première exposition de la série in situ présentera une œuvre immersive, architecturale et multisensorielle de Refik Anadol (Istanbul, 1985), artiste vidéo et pionnier de l'esthétique de l'intelligence artificielle, reconnu à l'international. Anadol réside actuellement à Los Angeles (Californie), où se trouvent ses studios Refik Anadol Studio (RAS) et RAS LAB, qui se consacrent à la recherche et au développement d'approches révolutionnaires sur les narrations basées sur les données. Anadol est également professeur au Department of Design Media Arts de l'Université de Californie à Los Angeles (UCLA).
Le travail d'Anadol analyse les enjeux et les opportunités apportés par l'omniprésence des technologies numériques, interrogeant ce que signifie être humain dans l'ère de l'intelligence artificielle. En utilisant les données de notre environnement quotidien, et en collaborant avec un cerveau artificiel doté d'un réseau neuronal, il crée des représentations visuelles inédites de nos souvenirs numérisés, repoussant les limites de l'art, de l'architecture, de la narration et du corps en mouvement. Ses sculptures in situ réaliséés à partir de données d'IA, ses performances audiovisuelles en direct et ses installations immersives adoptent des formes variées, en nous incitant à réfléchir sur nos liens avec le monde physique, les réseaux décentralisés, les expériences collectives et la capacité créative de l’intelligence artificielle.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Refik Anadol Studio 
Rendu pour l'exposition au Musée Guggenheim Bilbao, 2023 
Courtoisie de Refik Anadol Studio

in situ: Refik Anadol

La première exposition de la série in situ présentera une œuvre immersive, architecturale et multisensorielle de Refik Anadol (Istanbul, 1985), artiste

in situ: Refik Anadol | Musée Guggenheim Bilbao

Durant ses cinq décennies de carrière, Vito Acconci (New York, 1940–2017) a exploré la subjectivité à travers divers médiums tels que la poésie concrète, la photographie, la vidéo, la performance, l'installation et l'architecture. Cette exposition se concentre sur la collaboration et l’amitié entre Acconci et l'artiste basque contemporain Sergio Prego (Donostia- Saint-Sébastien, 1969), durant les dernières années de la carrière d’Acconci, et à un moment clé de la formation de Prego au sein de l’équipe de l'Acconci Studio, bureau d'art et d’architecture. En partenariat avec les archives d'Electronic Arts Intermix (EAI) à New York, cette exposition propose une immersion dans l'œuvre vidéo et performative d’Acconci, au sein d’une scénographie conçue par Prego. Elle inclura aussi un échange entre ces œuvres et une sélection d’œuvres signées Prego créées avec ces deux médiums au cours des premières décennies du XXIe siècle. Dans ces œuvres, d’une manière aussi caractéristique de Prego que de l’esprit d’Acconci, le corps et l'architecture sont perçus comme des agents traversés par des forces, au sein desquelles le volume sculptural n’est pas une forme, mais la manifestation tangible d’une tension.
Salle : 103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Peoplemobile, 1979 
Vue de l'installation dans l’espace public, Amsterdam 
Photo : Fernando Pereira / Anefo

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Durant ses cinq décennies de carrière, Vito Acconci (New York, 1940–2017) a exploré la subjectivité à travers divers médiums tels que la poésie concrète,

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU | Musée Guggenheim Bilbao

Fundación BBVA

Le Musée Guggenheim Bilbao présente Helen Frankenthaler : Peindre sans règles, une vaste rétrospective dédiée à l’une des artistes les plus novatrices du XXᵉ siècle. L’exposition explore l’approche révolutionnaire de la peinture de Frankenthaler à travers une série d’œuvres réalisées entre 1953 et 2002, mises en dialogue avec certaines peintures et sculptures d’autres artistes contemporains comme Jackson Pollock, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Mark Rothko, David Smith, Anthony Caro et Anne Truitt. Ce parcours met en lumière la pratique innovante de l'artiste à travers ses relations, affinités et influences artistiques qui ont marqué sa vie personnelle et professionnelle.
Grâce à sa technique novatrice du « soak-stain » (tremper-tacher), Frankenthaler a ouvert de nouvelles voies pour la peinture moderne et a exploré de nouvelles relations entre la couleur, la forme et l’espace. Cette méthode consistait à faire couler de la peinture diluée dans de la térébenthine sur des grandes toiles de coton brut, posées à même le sol de son atelier, créant des effets proches de l’aquarelle, utilisant d’abord avec des huiles, puis de l’acrylique. Elle travaillait à l’aide de pinceaux, d’éponges ou simplement en versant la peinture, laissant les couleurs se mélanger et se répandre naturellement, produisant des jeux de transparences et des transitions délicates qui sont devenus sa signature.
Helen Frankenthaler : Peindre sans règles célèbre une artiste qui a repoussé les frontières de la peinture et redéfini ses règles avec audace et intuition. Ses abstractions poétiques, mêlant virtuosité technique et imagination débordante, ont créé un héritage durable.
Cette exposition est organisée par la Fondazione Palazzo Strozzi, Florence et l’Helen Frankenthaler Foundation, New York en collaboration avec le musée Guggenheim Bilbao ; et conçue par le commissaire Douglas Dreishpoon, directeur du catalogue raisonné de Helen Frankenthaler.
Salle : 105
 
Helen Frankenthaler 
Hur Ouvert (Open Wall), 1953 
Huile sur toile, 136,5 × 332,7 cm 
Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York 
© 2024

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

Le Musée Guggenheim Bilbao présente Helen Frankenthaler : Peindre sans règles, une vaste rétrospective dédiée à l’une des artistes les plus novatrices du

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas | Musée Guggenheim Bilbao

Occident

Le Musée Guggenheim Bilbao est fier de présenter la première rétrospective en Espagne de l’artiste nord-américaine Barbara Kruger, figure incontournable de l’art contemporain. Depuis plus de quarante ans, Barbara Kruger fascine par sa manière d’associer des images percutantes issues des médias avec des phrases incisives et provocantes, confrontant les spectateurs à des questions fondamentales sur l’identité, le désir et la société de consommation. Ses créations emblématiques interrogent directement nos interactions avec le monde qui nous entoure.
L’exposition met en lumière le talent de Kruger pour métamorphoser les espaces architecturaux en expériences immersives où le texte domine. Les visiteurs seront plongés dans des installations captivantes où le langage envahit entièrement l’espace grâce à des vinyles imprimés, des paysages sonores et des œuvres vidéo multicanaux. Nombre de ces créations revisitent ses œuvres antérieures, enrichies par des technologies numériques, des écrans LED monumentaux et des éléments sonores.
Conçue en étroite collaboration avec l’artiste, cette rétrospective invite à redécouvrir son approche audacieuse sur le langage, les médias et l’impact de l’ère numérique.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Sans titre (POUR TOUJOURS) [Untitled (FOREVER)], 2017 
Impression sur papier vinyle 
Dimensions variables 
Vue de l’installation FOREVER, Sprüth Magers, Berlin, 16 septembre 2017–20 janvier 2018 
Courtoisie de l’artiste et de Sprüth Magers 
Photo : Timo Ohler

Barbara Kruger

Le Musée Guggenheim Bilbao est fier de présenter la première rétrospective en Espagne de l’artiste nord-américaine Barbara Kruger, figure incontournable

Barbara Kruger | Musée Guggenheim Bilbao

Sky Hopinka (Ferndale, Washington, 1984) s'initie au cinéma à travers son intérêt pour les langues autochtones et les formes narratives. Membre de la nation Ho-chunk et descendant des Pechanga Band de Luiseño Mission (Californie), il réalise des vidéos où il entrelace des récits personnels, des témoignages sur la vie des peuples autochtones aujourd'hui, et une iconographie abstraite. Par son travail, il questionne les dynamiques de la communication entre cultures, en mettant en lumière ses défis et ses possibilités.
L'œuvre de Hopinka Évanouissements (Fainting Spells, 2018) est une réflexion sur la famille, la tradition, la guérison et le paysage. À travers ce film, l'artiste explore la mythologie de la Xąwįska, ou pipe indienne, une plante médicinale utilisée par le peuple Ho-chunk pour réanimer une personne après un évanouissement. Le film superpose des textes sur cette plante et son rôle dans la tradition Ho-chunk à des images abstraites d'interactions humaines, de lieux familiers et de phénomènes naturels, qui évoquent parfois l'esthétique cinématographique des avant-gardes historiques. Réalisé principalement dans les états de Washington et du Colorado, ce film incarne la pratique actuelle de Hopinka, qu'il décrit comme un art "ethno-poétique", visant à établir un lien créatif avec les cultures autochtones contemporaines.
Pour l'artiste, Évanouissements est une exploration de " ce que le mythe nous enseigne et comment il le fait, de sa présence dans les communautés autochtones aujourd'hui, et de l'influence qu'il exerce sur notre manière d'habiter le monde. " Hopinka y inclut souvent des expériences personnelles, comme ici avec l'enregistrement de la voix de son père, qui s'intègre à un paysage sonore luxuriant.
Salle : 103 
Commissaire : Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Évanouissements (Fainting Spells), 2018 
Vidéo couleur à trois canaux, avec son, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, édition de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, acheté grâce aux fonds contribués par le Photography Council, 2021 
© Sky Hopinka

Sky Hopinka : Évanouissements

Sky Hopinka (Ferndale, Washington, 1984) s'initie au cinéma à travers son intérêt pour les langues autochtones et les formes narratives. Membre de la

Sky Hopinka : Évanouissements | Musée Guggenheim Bilbao

L'œuvre de Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne, 1908 – Paris, 1992) se caractérise par une grande diversité d'influences, allant de la géométrie décorative des céramiques hispano-arabes aux motifs de damiers que l'on retrouve dans les tableaux de Pierre Bonnard. C'est pourquoi les analyses de son œuvre ont souvent privilégié ses liens avec différents mouvements artistiques, au détriment de l'évolution de son propre langage visuel. La façon dont son travail mêle abstraction et figuration, notamment à travers ses représentations d'espaces architecturaux où les frontières entre paysages urbains réels et imaginaires se dissolvent, est un aspect souvent négligé par la critique, mais que l'exposition s’efforce d’éclairer.
L’exposition se penche sur le travail de l'artiste des années 1930 aux années 1980, en explorant son rapport avec les paysages architecturaux urbains ainsi que l'importance de la mémoire et du jeu dans son œuvre. Elle ira au-delà des simples références formelles à la culture visuelle portugaise et aux mouvements d’avant-garde comme le cubisme et le futurisme. Cette analyse propose de considérer l’œuvre de Vieira da Silva indépendamment de l’esthétique gestuelle souvent associée à l'informalisme, et montre son expérience à Paris, ville devenue un centre d'attraction internationale après la Seconde Guerre mondiale. Cette exposition revient aussi sur les relations qu'elle a nouées lors de son séjour à Rio de Janeiro, où elle s'était réfugiée avec son mari, Árpád Szenès, pendant la guerre. À travers une sélection d'œuvres majeures, on verra l’évolution de son travail, caractérisé par des formes abstraites et des illusions optiques en constante transformation.
Salle : 105 
Commissaire : Flavia Frigeri 
Sièges : Peggy Guggenheim Collection, Venise ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figure de ballet, 1948 
Huile et graphite sur toile, 27 × 46 cm 
Courtoisie de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, Paris - Lisbonne 
N° d’inventaire : CR587

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

L'œuvre de Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne, 1908 – Paris, 1992) se caractérise par une grande diversité d'influences, allant de la géométrie

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l&#039;espace | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace | Musée Guggenheim Bilbao

Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) est un artiste britannique contemporain, résidant et travaillant à Londres. Depuis sa reconnaissance à la fin des années 1990, le travail de Mark Leckey a marqué l'art contemporain par son exploration des liens entre culture populaire et technologie, abordant des thématiques comme la jeunesse, la classe sociale et la nostalgie. Son travail, souvent constitué d'objets trouvés et de vidéos, s'inspire d'éléments de la culture populaire. Leckey est particulièrement connu pour ses œuvres Fiorucci Made Me Hardcore (1999) et Industrial Light &amp; Magic (2008), la seconde lui ayant valu le prestigieux Prix Turner en 2008. Ces dernières années, il a aussi présenté un programme de musique expérimentale sur la station de radio NTS, mettant en avant des artistes confirmés et des nouveaux talents. L'exposition au Musée Guggenheim Bilbao mettra en lumière la diversité des influences qui façonnent l'œuvre de Leckey, notamment le son, la sculpture et la performance.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Mark Leckey 
Vue de l'installation, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, du 24 septembre au 5 janvier 2020. 
Photographie de Mark Blower, avec l’aimable autorisation de l’artiste, Cabinet Gallery London et Tate.

in situ: Mark Leckey

Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) est un artiste britannique contemporain, résidant et travaillant à Londres. Depuis sa reconnaissance à la fin

in situ: Mark Leckey | Musée Guggenheim Bilbao

Ancrée dans le cadre stratégique de la durabilité environnementale que promeut Musée Guggenheim Bilbao, l’exposition Arts de la Terre propose une nouvelle lecture de l'art engagé en faveur de l’environnement des dernières décennies. Cette cartographie diversifiée et pluridisciplinaire des formes artistiques présente un aperçu des outils, des possibilités et des futurs potentiels. À travers la question cruciale de la santé de la planète, et particulièrement de la survie du sol comme élément vivant, plastique et essentiel, l’exposition nous guide à travers des œuvres qui traversent toutes les géographies. L’exposition relie des œuvres réalisées à partir de matériaux naturels comme la terre, le bois, les racines, et les plantes — médiums ancestraux qui ont retrouvé une nouvelle pertinence aujourd’hui — aux interventions terrestres qui ont été connues sous le nom de Land Art ou Earthworks au cours des dernières décennies : des anti-monuments vivants réalisés dans des lieux reculés, parfois éphémères, dont les traces résonnent aujourd’hui comme des avertissements pour l’Anthropocène.
Au fil des dernières générations, des artistes de cultures variées se sont interrogés sur la manière de traiter la terre au moment où elle nécessite le plus d’attention et de régénération. Comment honorer ses bienfaits ? Comment apprendre de ce qu’elle nous offre, alors même qu’elle semble être dépouillée de sa richesse biologique, minérale, organique et chimique ? Le potentiel créatif du sol et de ses composants va bien au-delà des pratiques traditionnelles de la sculpture, de l’architecture ou du paysagisme. Ces dernières années, de nombreux artistes ont exploré les dynamiques du substrat, mêlant processus de création et de compostage, traçant des lignes et mettant en lumière les liens entre culture et agriculture, forme, formation et terraformation. Arts de la Terre réunit des œuvres historiques depuis les années 1970 jusqu’à nos jours, en explorant des pratiques variées comme la sculpture, l’installation, le dessin et la performance, accompagnées d’une vaste sélection de documents d’archives. Il est possible d’observer des pratiques qui rassemblent collaborativement de multiples formes de connaissance issues de domaines comme l’agronomie, la botanique, la géologie, la chimie et la biologie croisent et nourrissent les arts, l’architecture et le design.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Ongle et feuilles de laurier (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Verre et feuilles de laurier 
Courtoisie de l'artiste et de la Marian Goodman Gallery 
Photo : Alex Yudzon

Les Arts de la Terre

Ancrée dans le cadre stratégique de la durabilité environnementale que promeut Musée Guggenheim Bilbao, l’exposition Arts de la Terre propose une nouvelle

Les Arts de la Terre | Musée Guggenheim Bilbao

15€ Adulte - 7.5€ Retraité - 7.5€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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Du mardi au dimanche, de 10h00 à 19h00 <a href="/fr/horaires-et-tarifs">[+info]</a>

Expositions

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

30.11.2024 - 16.03.2025

Hilma af Klint

18.10.2024 - 02.02.2025

Expositions

à venir

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest

in situ: Refik Anadol

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

Barbara Kruger

Sky Hopinka : Évanouissements

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

in situ: Mark Leckey

Les Arts de la Terre

Expositionspassées

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