Exposiciones temporales
El Museo Guggenheim Bilbao presenta una dinámica programación de exposiciones temporales de arte moderno y contemporáneo, profundizando también en los fundamentos del arte actual y ofreciendo una amplia visión de la escena internacional en el contexto de la historia del arte.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas
11 abril – 28 septiembre 2025
La exposición Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas, en la sala 105, está dedicada a una de las artistas más importantes de la pintura abstracta del siglo XX en EE. UU. Dividida en etapas que siguen su trayectoria vital y artística, la muestra refleja cómo la creatividad libre y sin límites de Frankenthaler (1928–2011) logró abrir nuevas posibilidades para la abstracción pictórica.
El recorrido comienza en los años cincuenta, cuando una joven Frankenthaler, inspirada por Jackson Pollock, inventa la revolucionaria técnica del soak-stain (empapar y manchar), que consiste en verter pintura diluida sobre la tela sin preparar para crear superficies fluidas, traslúcidas y envolventes. En los años sesenta, su pintura gana claridad y estructura, como podemos ver en los grandes lienzos de esta década donde el color flota con ritmo propio. En los setenta y ochenta, la luz, el mar y la serenidad de los paisajes predominan en piezas como Luz oriental (Eastern Light, 1982), marcando una etapa más lírica y atmosférica.
En la exposición se traza además una historia paralela, la de sus vínculos personales y creativos con artistas como Mark Rothko, Robert Motherwell, David Smith o Anthony Caro, cuyas obras también pueden contemplarse aquí y con quienes compartió amistad, ideas y una admiración mutua. En la última etapa de su carrera, sus obras sobre papel se volvieron más íntimas y esenciales, respondiendo así la artista hasta el final a su máxima creativa: pintar sin reglas.
Helen Frankenthaler
Contemplando las estrellas (Star Gazing), 1989
Acrílico sobre lienzo
181,6 x 365,8 cm
Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP
Foto: Tim Pyle, cortesía Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York
Ruta in situ: Refik Anadol
Living Architecture: Gehry
7 marzo – 19 octubre 2025
La sala 208 inaugura el ciclo in situ, un programa de innovadoras propuestas artísticas diseñadas específicamente para este espacio en diálogo con la arquitectura del Museo.
En esta ocasión, la obra Arquitectura viva: Gehry (Living Architecture: Gehry, 2025), del artista pionero en estética de datos Refik Anadol, se inspira en el lenguaje arquitectónico de Frank Gehry para dar vida a una experiencia inmersiva única, en la que la inteligencia artificial interpreta y reimagina las formas de sus diseños.
Mediante datos de acceso abierto obtenidos de manera ética y modelos de IA avanzados creados por su estudio, Anadol explora la capacidad de la máquina para “soñar”, generando imágenes en constante evolución que convierten la información en configuraciones abstractas sorprendentes. Dividida en seis capítulos temáticos, la obra diseñada para envolver al visitante en la amplia sala 208 desafía nuestra percepción y supone una reflexión sobre el impacto de la inteligencia artificial en el futuro de la creatividad y sobre nuestra manera de analizar el mundo a través de la tecnología.
Esta muestra se complementa además con el espacio educativo Didaktika, situado en la sala 204, donde encontrará recursos audiovisuales que profundizan en el proceso creativo que Refik Anadol desarrolla en colaboración con su equipo multidisciplinar.
Obras maestras sobre papel de Budapest
28 de febrero–1 de junio
La exposición Obras maestras sobre papel de Budapest invita a explorar siete siglos de arte europeo descubriendo al mismo tiempo la historia de los fondos del Museo de Bellas Artes de Budapest. Una selección de piezas raramente expuestas por su fragilidad revelan cómo las técnicas del dibujo, el grabado, la xilografía y la litografía sobre papel han evolucionado a lo largo de la historia.
En la sala 205 encontramos dibujos de maestros como Rafael y Rubens, que buscaban la perfección anatómica y el dramatismo compositivo. Sus estudios y bocetos nos permiten asomarnos al proceso creativo que dio lugar a sus grandes obras.
El recorrido continúa en la sala 206, introduciéndonos en el siglo XVIII: el papel se convierte entonces en un espacio de experimentación para captar la naturaleza y la vida cotidiana con gran delicadeza. Los paisajes y escenas de viaje muestran una mirada sensible y curiosa sobre el mundo que rodeaba a los artistas.
En la sala 207, artistas como Van Gogh o Schiele utilizan un trazo libre y expresivo para explorar las emociones humanas, mostrando como nunca hasta entonces una visión profunda de la psique humana.
La exposición culmina en la sala 209 reflejando la ruptura de la tradición que se produce en el siglo XX. Artistas como Vasarely y Richter exploran la abstracción, liberando la línea y la forma para abrir nuevas posibilidades de expresión que han perdurado hasta el arte de nuestros días.
Tarsila Do Amaral. Pintando el Brasil moderno
21 febrero–1 junio, 2025
En las salas 202 y 203 de la segunda planta encontrarás la exposición retrospectiva dedicada a una de las pioneras del movimiento modernista en Brasil, Tarsila do Amaral (1886–1973).
La exposición recorre la amplia trayectoria de la artista brasileña, desde sus obras tempranas, centradas en ejercicios académicos y paisajes influidos por el Impresionismo, hasta sus vibrantes representaciones del mundo rural brasileño y escenas que documentan la rápida urbanización del país a partir de la década de 1920.
Tarsila vivió y se formó durante largos periodos en Europa. Sus años en el París de las vanguardias, un entorno marcado por la innovación y experimentación artística, llevaron a Tarsila a adoptar el Cubismo, fragmentando las formas para reinterpretar sus orígenes: enfrentó el desafío de responder a las expectativas de estilo parisinas mientras se afanaba en construir una identidad brasileña moderna basada en la mezcla de culturas.
Sus viajes a Brasil avivaron la conexión con su tierra e inspiraron obras como Carnaval en Madureira (1924), que muestran tradiciones precoloniales y escenas populares con colores vivos y formas geométricas. Años más tarde, su pintura se volvió más crítica y poética; en obras como Obreros (1933) reflejó la realidad social brasileña adoptando tonos más sobrios, vinculados con el mundo del trabajo.
Tarsila do Amaral
Obreros (Operários), 1933
Óleo sobre lienzo
150 x 205 cm
Acervo Artístico-Cultural dos Palácios do Governo do Estado
de São Paulo, São Paulo
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A.
Foto: © Artistic-Cultural Collection of the Governmental Palaces of the State of São Paulo / Romulo Fialdini
