Salles 203

Les artistes pop abordent des thèmes négligés par le « grand art », en intégrant le langage visuel commercial et publicitaire. Cette intégration des formes populaires a été interprétée comme une affirmation exubérante de la culture nord-américaine, mais aussi comme une assimilation irréfléchie de ce qui est considéré comme « inférieur ». Souvent reconnu comme le fondateur du Pop Art, Richard Hamilton fut membre de l’Independent Group, qui a soutenu les nouvelles technologies et la culture de masse au Royaume-Uni pendant la première moitié des années 1950 en tant que plate-forme de création d’art visuel. La série de reliefs en fibre de verre du Solomon R. Guggenheim Museum de New York, créée par Hamilton à partir d’une carte postale du bâtiment, illustre bien comment la répétition et la reproduction de l’image sont devenues une marque de fabrique des artistes pop. Roy Lichtenstein peint ses paysages en imitant l’apparence d’une pointillé, une référence directe aux techniques d’impression commerciale utilisées dans les bandes dessinées et les journaux ; il créé ainsi un « grand art » à partir de ce qui était considéré comme une forme de communication visuelle « inférieure » ou populaire, issue de la vie quotidienne. De son côté, James Rosenquist, peintre de panneaux publicitaires, introduit dans ses œuvres d’art de nombreuses techniques et motifs de son métier ; il découpe et rassemble des fragments d’images tirées de la publicité, utilise de la peinture commerciale et privilégie les grands formats. Arrivée à New York au milieu des années 1950, Chryssa, artiste d’origine grecque, s’inspire des enseignes lumineuses de Times Square, qu’elle voit comme un paradigme de la modernité et de l’imbrication du vulgaire et du poétique dans la culture américaine. Comme d’autres artistes pop, Andy Warhol, pour sa part, utilise dans ses créations des images imprimées issues de journaux, de photogrammes publicitaires et d’annonces, entre autres sources ; plus tard, il adoptera la technique de reproduction en masse de la sérigraphie.

L’influence du Pop Art a perduré à travers différentes générations depuis les années 1960. L’artiste contemporaine Josephine Meckseper défie les interprétations conventionnelles des images qui habitent l’imaginaire populaire, ainsi que les systèmes de diffusion et d’exposition par lesquels elles prennent de l’importance. En combinant des objets artistiques avec des objets de consommation dans des sculptures qui prennent la forme de vitrines commerciales, elle établit une corrélation directe avec l’influence du consumérisme sur la production culturelle, fournissant souvent un cadre critique à des produits et des éléments visuels ordinaires. Douglas Gordon renoue avec l’histoire du Pop Art en imitant les autoportraits de Warhol et, dans le cas de l’œuvre exposée dans cette salle, en s’appropriant directement le film de Warhol, Empire (1965), dont il a enregistré deux heures lors d’une projection du film original organisée à Berlin, pour ensuite le redéfinir comme une œuvre d’art contemporaine de son cru. Gordon reconnaît à la fois l’influence omniprésente de Warhol et son souci obsessionnel de la culture de la célébrité et des fans.